"La religión secreta del trap: ¿Qué revelan los álbumes 'Ameri' de Duki y 'Culto' de Neo Pistea sobre el culto moderno?"

 

Algunos podrían haber considerado que después de su auge en los años 2018-2019, el trap comenzó un descenso musical cuando sus figuras relevantes comenzaron  unirse a las nuevas olas de reggueaton y sonidos látinos. Pero cuando ya se creía perdida la base misma del trap, la que dio origenes a artistas icónicos y temas de la memoria colectiva, este 2024 regresa con fuerza, con los álbumes de Neo Pistea Culto y Duki en Ameri.

El trap emergió en su momento no sólo como un género musical, sino como un lenguaje que buscaba transmitir poder, exclusividad, peligro y, en muchos casos, una visión casi mítica de la vida. Hoy vamos a explorar las conexiones entre el álbum de Neo (estrenado hace unos días) y Duki.

A pesar de sus diferencias en estética y sonido, siendo Neo quien, podemos decir, ha conseguido traer el trap old era, estos dos discos comparten una característica fundamental: el uso de un simbolismo profundo relacionado con sociedades secretas, cultos y una búsqueda trascendental.

Y es que n estos álbumes no solo exploran la vida dentro del trap, sino también sus propios procesos de ascensión y pertenencia a una comunidad cerrada y exclusiva. Cada uno de estos discos presenta un universo propio, pero todo parece converger en un miso concepto: el de un viaje espiritual hacia el poder, la iluminación y el control.

El uso de símbolos esotéricos, la creación de un "culto" alrededor de esos artistas y la trascendencia espiritual que proponen a través de su música, se convierte en un sello distintivo del trap contemporáneo. 

Culto: grupo de personas que comparten creencias, prácticas o rituales centrados en una figura o idea particular, muchas veces con características esotéricas y exclusivas.

 

En Ameri, Duki construye una narrativa que puede verse como una búsqueda espiritual y personal. A lo largo de álbum, se percibe un tono casi de mesías, como si estuviera llevando a sus oyentes a un nivel superior de conciencia, pero a través de la exclusividad de su arte.

Duki se presenta a si mismo como un líder, él es quien ha alcanzado la sabiduría, la iluminación, su posición dentro del trap, su autoproclamación de "el mejor", llegando al punto donde sus seguidores, su culto, lo veneran.

Este culto no tiene la marcada oscuridad y dureza que vemos en el álbum de Neo, sino un tono más de reverencia, admiración, donde el artista se posiciona a si mismo como una figura a ascender.

Durante Ameri, el mismo se posiciona como el elegido, la carga del Mesías lo sigue a lo largo del disco, él es quien los llevará a Ameri, ya que él fue quien encontró el camino, la iluminación, para que ustedes puedan seguirlo. No es por nada que las referencias del video en No drama, por ejemplo, lo muestran como un líder dentro de figuras encapuchadas.

Y esto es importante, porque la idea de exclusividad juega un papel muy importante en Ameri. Duki crea un ambiente donde los que están dentro de su universo son los únicos con acceso a su música, sus vivencias y su vision del mundo.

Es una omunidad cerradaque comparte un lenguaje en común.

A lo largo del video vemos muchas referencias a un símbolo, que se convierte tanto en la marca del álbum como parte del universo Ameri. Este símbolo, comparte cierto relacionamiento con el ocultismo y tiene una estética esotérica.

El símbolo se configura con la unión de 4 D, las cuales representan las cuatro dimensiones. lo oculto, lo delicado, lo simbólico y lo que no se dice. El centro representa por tanto la unión de todo, donde todo se ve y es pare de una sola cosa.

Luego de Ameri, Neo nos presenta Culto, la primera y principal diferencia que quiero marcar de ambos albumes es la experiencia del culto en ambos universos. Duki nos presenta el Culto en una versión casi elitista y exclusiva, pero más relacionado con un poder de "altas esferas", mientras que Neo nos muestra todo lo contrario. Un Culto más terrenal, más "de lo bajo", la diferencia entre ambos conceptos se hace más clara en los videos: Duki utiliza tonos rojos y negros, suaves, elegantes. Neo va a los colores negros, grises, oscuros. Mientras Duki utiliza un collar con el "logo" de su culto, Neo lo dibuja con sal en el piso. Hay una versión más ritualista en el concepto de Neo, lo que lo hace más bajado al espectador.

Neo también utiliza el concepto de Culto  como una forma de marcar la exclusividad de sus seguidores, la idea de pertenencia a este circulo, y de este como la figura de su líder, se remarca a lo largo del álbum. Una diferencia sin embargo, que se marca entre ambos, es que Duki presenta una especie de ascensión espiritual a sus seguidores, mientras que  Neo habla de poder, lealtad y unidad.

Como mencionaba, en el caso de Neo, su símbolo es dibujado en sal en el piso en un momento, antes de que este le clave una daga, dandonos un aire casi ritualista. También podemos ver una bandera con el simbolo ondeada por sus seguidores.

Este símbolo tiene muchas similitudes con el triángulo de la mente y el ojo de la providencia.  Símbolos conocidos en el hermetismo, la masonería o otras corrientes esotéricas.

Se suele asociar con la idea de esta vigilancia universal, esta sabiduría divina y percepción de la verdad detrás de las apariencias.

Vemos a Neo en varias ocasiones formar un triángulo con sus manos , una alegoría a la trinidad de conceptos (padre, hijo, espíritu, cuerpo/mente/espíritu).

Es importante entender que ambos discos no son iguales, cada uno presenta un universo propio, una narrativa. Pero giran en torno a una misma idea central, el culto a la fama, al trap, a las figuras de sus cantantes, la exclusividad. Dentro de esta misma idea base, ambos artistas utilizaron opuestos en representación: Duki lo dirigió a una idea más elitista, más religiosa, se posiciona como un mesías clásico. Neo lo dirigió más a las bajas esferas, una versión más ritualista, más pagana, es interesante ver los dos albumes a la par y leerlos de esa manera, porque parte de la misma base de poder.

Pero entonces, ¿podemos encontrar el Culto en ambos albumes? Para que un Culto pueda considerarse como tal, debe seguir varias reglas:

1) Creencias centradas en una figura de autoridad

Por tanto, debemos tener un líder carismático, ya que las organizaciones se deben mover alrededor de esta figura, este líder espiritual que mueve los hilos. Es u influencia la que motiva a las masas.

En este caso tenemos a las figuras de Duki y Neo, la figura no es solo respetada, sino que llega al punto de ser adorada como una divinidad.

2) Creencias y prácticas exclusivas 

 

Los Cultos deben tener un sistema de creencias que excluye otras perspectivas. En el caso de Ameri tenemos todo un sistema de creencia que viaja con la idea de "un lugar al que llegar" a través de la "iluminación" una especie de Nirvana.

En el caso de Neo no explora en profundidad un concepto religioso como tal, sino que su principal base esta en esta idea de "grupo, o unidad", la promesa de poder y tener "quien te respalde".

Ambos presentan la idea de "rituales o ceremonias" en sus álbumes, Duki  en Ameri entrando en la sala rodeada de personas encapuchadas, Neo cuando en Luna clava su puñal sobre el símbolo con sal.

3). Aislmiento del mundo exterior

Los dos álbumes presentan esta idea de exclusividad, de aislamiento del mundo profano que los rodea, tanto en las visuales del Duki solo podemos ver este mundo exclusivo que él ha creado, y en el caso de Neo estamos ubicados siempre en el mismo galpón con su "gente".

Estos tres puntos configuran en grandes rasgos, la presentación de la idea de un Culto, tenemos también las promesas de ascensión, la exigencia de devoción y lealtad y el sentido de exclusividad y pertenencia.

tanto "Ameri" de Duki como "Culto" de Neo Pistea exploran la idea de sociedades secretas y cultos a través de la música, utilizando símbolos esotéricos y místicos que reflejan un mundo de exclusividad, poder y trascendencia espiritual. Ambos artistas se posicionan como líderes carismáticos que guían a sus seguidores hacia una comprensión más profunda, no solo de su música, sino también de una realidad más allá de lo visible.

En "Ameri", Duki propone una visión trascendental de sí mismo, donde se siente como un mesías, un elegido para llevar a sus seguidores a un nuevo nivel de consciencia, mientras que "Culto" de Neo Pistea crea una atmósfera mística, donde la pertenencia a un grupo exclusivo es central, y la música se convierte en un medio para acceder a un conocimiento secreto.

Ambos álbumes comparten la misma fascinación por el misterio y el ocultismo, donde los símbolos, rituales y la exclusividad de los cultos sirven para conectar a los oyentes con una visión más grande, trascendental y única del mundo. A través de sus sonidos y letras, los artistas no solo crean una conexión musical, sino que invitan a sus seguidores a ser parte de una comunidad cerrada y especial, una "hermandad" que busca alcanzar algo más allá de la simple admiración hacia la figura del artista.

Al final, estos álbumes representan una mezcla entre arte y filosofía, construyendo mundos donde el poder, la espiritualidad y la pertenencia son temas clave, y donde los oyentes no solo escuchan música, sino que se sienten parte de un movimiento exclusivo, un culto que busca un propósito superior.

Analizamos "Oscuro Extasis" de Wos

 

Hace un tiempo ya que quería traerles al blog un análisis como los que solíamos hacer. Y ahora que tenemos fechas confirmadas para Uruguay con Wos, no podía no traerles el análisis de su segundo álbum oficial (más aún cuando ya hablamos del primero y todo el simbolismo detrás).

Valentín Oliva, Wos, para aquellos que lo han seguido en su tramo en el mundo del rap, se abre paso como un exponente del rap latino con Caravana y finalmente se asienta con una marcada presencia en Oscuro Extasis, un álbum que ahonda en la oscuridad del ser humano y sin embargo, también en su luz.

Y como no, no podía faltar el análisis de esta joya en el blog.

Comencemos por el inicio

Siempre para comenzar, debemos dar inicio por su título de bienvenida: "Oscuro extasis" es la elección del artista. ¿Pero qué significa?

El extasis, según lo define la RAE es un estado donde una persona siente un placer, admiración o alegría intensa, tan intensa que no puede pensar ni sentir nada mpas.

Otras definiciones llevan a elevarlo como aquel estado del Alma, en el que se experimenta una especie de unión mística con Dios.

Sin embargo, este éxtasis es también oscuro, tiene poca luz o carece por completo de ella. Es incierto, infunde desconfianza. Es confuso, difícil de entender.

La unión de estos dos conceptos crea esta imagen de un placer que solo proviene de cierta oscuridad, de cierto rincón profundo del alma que es difícil de explicar con palabras. Y eso es Wos en este álbum, un intento de dar luz sobre esas partes profundas, esos sentimientos oscuros, convirtiéndolos en algo placentero, algo casi luminoso.

 

En la portada de álbum, vemos una lengua relamiendo unos dientes donde se derrama un liquido, que a primera instancia parece plata pero también podría pasar por alquitrán. Cada uno deriva en una simbología diferente: en el caso del alquitrán, resulta irónico que su creación sea producto de la destrucción de materia, símil al concepto de Wos de oscuridad y destrucción para encontrarse a uno mismo, el surgimiento del extasis como respuesta a nuestro propio descubrimiento.

La plata, sin embargo, es un símbolo de redención en la Biblia, también es un símbolo de pureza, de nitidez de conciencia y de rectitud. La plata es, en última instancia, lo que se derramaría del ser para su pasaje a su iluminación personal. Su conversión.

El concepto de extasis nos lleva a una idea de placer, lo que se ejemplifica con la lengua saboreando este líquido, que su misma simbología indica esta idea del mismo siendo el mismo ser. 

Hablemos de sus canciones

El álbum se encuentra compuesto por 13 temas, comenzando con "Introducción al Éxtasis", donde en harás generales, el artista nos da una bienvenida a lo que será el álbum y su concepto a través de un concepto visual (video) en la oscuridad donde finalmente es iluminado, con esta idea de revelar estas profundidades que habitan en el ser.

La mejor frase que se encuentra en el tema y que engloba a la perfección el concepto del álbum es la que dice: 

Donde lo que deseo es eso mismo que me asusta. 

La contradicción de placer-dolor, alegría-tristeza, amor-odio. Estos dos extremos del ser humano, donde siempre nos derivamos y permitimos los primeros, pero nos aterra hablar de los segundos, de las partes más oscuras y perturbadoras del ser, de aquello que nos duele, de aquello que sangra y nos mantiene despiertos por la noche. De la culpa, de la tristeza, de la soledad.}

Oscuro Extasis es un viaje hacia estas partes de ser, las partes no tan lindas, pero que el descubrirlas y aceptarlas nos conecta mucho más con el ser-

Y así como llegamos al primer tema oficial: Buitres, que comienza  con una base fuerte, rompedora, que aturde pero que atrae. 

Vemos a Wos, en medio de la oscuridad, cantando con furia, cantando con rabia y enojo. Esto envuelve en gran medida este primer tema: la furia. Una emoción oscura, poderosa, y atractiva. Le canta a esta figura desconocida, mientras personas pasan frente a él y entorpecen nuestra visión. Como una voz que grita en un mar de voces que lo ignoran.

"Estoy en el fondo de todo, acá la luz no llega" nos encontramos en el punto más bajo y profundo del escalafón, hacia nuestro descenso a la luz. Este concepto es el más claro del álbum, la travesía de la oscuridad (buitres) hasta la iluminación (mugre) la realización final y el autoconocimiento, la comprensión del ser.

"Todo quema, tengo una cadena que aprieta el corazón mientras yo cumplo mi condena" Esta frase en particular junto con el nombre de la canción, nos remite bastante al mito de Prometeo, conocido por desafiar a los dioses al robarles el fuego divino. Como castigo, Zeus lo condenó a ser encadenado a una montaña donde diariamente un buitre devoraba su hígado y luego le volvía a crecer.

Prometeo es el titán considerado el protector de la humanidad, y en cierta manera se intenta crear un símil entre Wos y el mismo, éste intenta traerles la visión de su ser, la verdad sobre su existencia y las profundidades del alma. Pero hay personas que no quieren que esto se sepa, porque la ignorancia sirve más que el conocimiento. Y en un mundo que nos condena a ser víctimas del sufrimiento y el dolor para poder beneficiarse de ello, concoerse a uno mismo es la cosa más peligrosa de todas.

Más allá del simbolismo del tema, también hace referencia en general a estas personas falsas, o aprovechadas de la vida. Buitres que quieren obtener lo que uno consigue, a la espera de poder devorar sus ganancias. 

Y me parece interesante como en una parte canta Es el vuelo de los buitre que ennegrece el cielo, en referencia a como las cosas parecen malas, pero en realidad no lo están, sino que esos "Buitres" o esas "personas malas" hacen creer que lo están para conseguir llevarnos a estas sombras.

En el reino de los ciegos...dirían algunos.

Pasamos entonces al tercer tema del disco, y para mi, sin duda uno de los mejores en cuanto a narrativa. Culpa, acompaña a Ricardo Mollo en una canción inspirada en El corazón delator de Allan Poe.

La canción maneja el concepto de culpa, en el relato del autor, el narrador confiesa amor por el anciano al que después asesina de forma violenta debido a un "ojo malo" que este tenía. El título, hace referencia al latir del corazón que el narrador escucha a lo largo del relato y le recuerda su terrible crimen.

En el videoclip, también parece hacer mención a este concepto de adicción. Si vemos en el mismo, en la primera escena Wos se está "arrancando la piel" frente a la que sería su pareja. Una forma casi de "revelar" su secreto ante ella, su adicción, su oscuridad.

 Siendo más, la canción parece una confesión sobre este suceso. Cantando en esta primera parte: Te invito a que demo' una vuelta y entiendas eso que me tiene cautivo. Invitándola a ver los demonios con los que conviven. La culpa que lo carcome.

En el mismo estribillo agrega como la vida me late y busco lo primero que sacie mi sed.

 

También resulta interesante que en la primera escena que salen los dos hombres y Wos cavando lo que parece ser una tumba (en el libro el crimen, en el videoclip quizás el asesinato de su pareja) cante la parte: 

Sigo en espirale que no diferencian dolor de placer.

En cierta manera dividiendo al inconsciente del personaje en dos (uno de los hombres el placer, el otro el dolor. Ambos uniéndose en la culpa).

Vemos utilizado en muchas partes del video el elemento del agua, y en la psicología es especialmente curioso su significado. Es un elemento que despierta pasiones similares al amor-odio debido a su dualidad. El gua puede dartelo todo o quitartelo, en exceso ahoga, pero cuando careces de la misma también te mata.

Es un elemento además que transmuta, es maleable, y poco fiable. Como el personaje y la historia, como Wos y la culpa. Como el placer y el dolor. La dualidad que se unifica en un mismo elemento y una misma narrativa.

La culpa que regresa con "no sé cómo mirar a la cara a los que me conocen" (en el videoclip se parece reforzar esta idea del asesinato) "somos corderos vestidos de lobos feroces" es decir, pretendemos ser más fuertes de lo que somos, más aterradores, para protegernos porque sin ello estamos perdidos, asustados.

El videoclip retrata muy bien esta presura, este miedo del personaje de ver revelada su culpa, y sobretodo, la presión de dar marcha a su deseo más oscuro. Quizás el asesinato, quizás la adicción o revelar la misma. Hay una violencia, una rabia y un miedo que paraliza, los dos hombres bailando capoeira, una danza lucha que se caracteriza por la utilización precisa de cuerpo.

La mejor escena sin duda es en la que Wos se encuentra corriendo de ambos, escapando de sus propios deseos. Del placer y del dolor, la culpa misma lo persigue y él no quiere ser atrapado, porque si lo es, solo quedaría la verdad.

Finalmente el corazón delator, el que late en toda la canción, y que finalmente vemos sobre la mesa del escritorio junto a, irónicamente, un vaso con agua.

 

La escena queda más clara en el momento que vemos el corazón y las secuencias junto a la mujer. Finalmente a Wos sosteniendo el dije con un corazón, que probablemente perteneció a esta.

Y por más que corra, e intente huir, el corazón sigue allí, recordándole lo sucedido. Lo que es. Lo que hizo. De lo que huye y lo asusta. De su culpa.

 

Esto nos lleva al cuarto tema, Pared de Cristal es un paso hacia la luz y las sombras. Una especie de limbo de tristeza y profundo dolor del personaje, un intento por empezar a salir de la furia y la rabia que veníamos con los dos anteriores temas.

Es interesante que en el suelo parecemos ver agua, pero también nuevamente el alquitrán. Recordándonos este concepto de destrucción para creación.

Solo de la oscuridad podemos llegar a la luz. Esta canción en particular parece marcar un antes y un después, un paréntesis, el final de una etapa de furia, culpa y vamos hacia adelante.

Con Mirá mamá, el mejor, a mi parecer, tema de álbum en cuanto a profundidad emocional.

En un proceso de sanación, un proceso de surgimiento de la oscuridad a la luz, de la profunda tristeza al comienzo de una vida donde el dolor no lo eclipsa todo, es especialmente dulce, como una caricia al alma, una canción que nos remita a nuestros padres.

El consuelo de una madre no se iguala a ninguna caricia, podría decirse, y Wos en este tema le canta a ella, a la mujer que le dio la luz. Diciendole que llegó a la cima y que solo hay vida.

Wos le canta a su madre, le canta de su dolor, de sus dudas, de sus miedos. Le canta en busca de consuelo, en busca de aceptación y de relato, a una confidente, a alguien a quien ama.

Una temporada de poner énfasis en entender el lado oscuro de este éxtasis agrega en una parte, y enuncia tan bien el concepto de su álbum que no podemos sino aplaudirlo. Para entender la felicidad, para poder apreciarla, debemos comprender y aceptar nuestro dolor, nuestros sentimientos oscuros. La tristeza, el resentimiento, la rabia, el odio. Todo esa oscuridad nos permite entendernos mejor. Nos permite crecer, y poder ser realmente libres, ya que no seremos dominados más por nuestras emociones.

 

Gato negro se compone como el sexto tema del disco. Simbológicamente, los gatos negros suelen estar asociados a la mala suerte, toparse con ellos significa que algo terrible va a sucederle a la persona. Aunque claro, esto son mitos surgidos de historias, como la que supuso que la llegada de los mismos fue la causante de la peste en Europa.

Wos se hace llamar a si mismo "gato negro", como una referencia a que aceptó esa oscuridad de él, aceptó lo que lo hace diferente al resto. Su rebeldía. 

Me parece interesante que el cuerpo de un gigante estpe acostado en el video conceptual. Y me recuerda a esta canción de Pablo López que dice "Nos hicieron pequeños, nos soñamos gigantes, pobres gigantes, tan grande que nos olvidamos del mundo".

Lo que más me gusta de este tema, es esta idea de aceptación que Wos presenta de su oscuridad y de las partes que los otros temen aceptar. Su rebeldía. Su necesidad de desafíar el status quo.

Sigo porfiado besando mi infierno canta, una parte de él se niega a dejar sus demonios. Su oscuridad. 

Esta rebeldía continúa en Que se mejoren. Lo que nos remarca la lucha de Wos contra el sistema, contra lo conocido, contra la política y lo establecido.

La transición para este punto es casi una narrativa heróica: la oscuridad del inicio, hundido en la culpa, la rabia y la oscuridad. En los sentimientos más negativos y profundos. La caminata lenta a la luz, la aceptación paulatina de sus partes malas, su charla con su madre, ahora su enfrentamiento al status quo, en una "lucha" en un coliseo. Llamando a la rebelión. Llamándolos a despertar.

Pasamos entonces a "Niño gordo Flaco", canción con Ca7riel, y uno de los temas que nos generan una extraña sensación de familiaridad y felicidad. Una especie de nostalgia a la infancia de una forma extraña.

Estamos en la luz, salimos de la oscuridad. La rabia interior fue perdonada por la madre, la rabia exterior fue manifestada en "Que se mejoren". Ahora Wos está en la luz, pero no está "iluminado", sino que inseguro. ¿Qué se hace en ese lugar? Más cuando aún queda oscurida.d

En esta travesía de victoria, es donde se encuentra con el personaje de Ca7riel. Wos se encuentra perdido en la luz, y lo vemos perdido en el mismo videoclip de la canción.

 Cada vez estoy más cerca del sol canta, cada vez está más cerca de la luz final, del conocimiento de si mismo. Pero ahora no, todavía le falta. Ya exorcizó a la mayoría de sus demonios, y aquí es donde entra el miedo. La inseguridad.

Ca7riel llega y lo ronda, lo observa, lo analiza. Wos se ve asustado, símil a un gato, enseña los dientes ante lo desconocido. Ante quien se le acerca, como una criatura salvaje desprovista de amor, o aterrorizada ante el daño que sufrió.

Su última lineal es Si el mundo gira, qué mierda voy a hacer yo?  y ahí es donde el segundo personaje toma la relevancia y le responde. Le enseña lo que es caminar allí.

Y llegan a esta unión, esta primera caminata hacia este nuevo mundo. Hacia el comienzo en la luz. Y lo que supone habitar en ella.

Y pasmaos a Wos y Nicki Nicole con "Cambiando la piel", donde el personaje en la luz, comienza a cambiar para adaptarse a esta nueva realidad. Continuamos en este proceso de aceptación.

Si pusiéramos esta canción y Buitres, o Culpa, nos parecerían dos trabajos completamente opuestos que ni siquiera pertenecerían al mismo álbum. Es aquí donde es importante la evolución de la historia del personaje de la oscuridad a la luz, en esta parte Wos acepta la paz, acepta la vida en sus partes buenas.

Es el concepto máximo de psicología el que nos plantea en este álbum: la aceptación del espectro total de las emociones humanas. Comenzamos con las más oscuras (culpa, dolor, ira) y pasamos a las mejores (felicidad, placer, alegría). Esto es lo que nos va a llevar a Mugre, el desenlace de la historia.

En el segundo 0:48 lo expresa: Estoy aprendiendo de mi. Me estoy defendiendo de mi. (...) estoy cambiando la piel, sobreviviendo. 

"Niño gordo flaco", "Cambiando la piel"  y "Contando ovejas" ocurren dentro de un mismo escenario narrativo. Un lugar abandonado, salvaje, pero lleno de luz, donde Wos es él mismo, salvaje,  y libre.

 

El concepto de contar ovejas, está asociado con esta tradición utilizada en muchas animaciones, donde, ante la falta de sueño, uno debía imaginar interminables ovejas saltando una cerca. Contarlas nos llevaría irremediablemente a dormir.

Suele ser una referencia al insomnio, pero en esta canción es una referencia a la espera. A diferencia de anteriores canciones, esta hace referencia a una persona. La narra como una aventurera, una contadora de historias, alguien a quien se encontró en la oscuridad, quien lo ayudó, y quién se perdió.

Permanecer tan cuerdo te puede hacer mal nos remite nuevamente al concepto de la psicología que habíamos mencionado. El cómo no aceptar el espectro de emociones te terminaba enfermando. Nadie podía ser feliz siempre, o estar siempre triste. La aceptación total era la verdadera respuesta.

Hay una especie de cambio de tornas, en el pasado, ella lo esperaba a él, y ahora él la espera a ella. Habla sobre como ella ya no está, pero que dicen qeu ella ha caído en la oscuridad perdió la fe y se está hundiendo , él niega esta idea, diciendo que debió irse para saciar su sed, remitiéndonos a este concepto de aventura.

Este ideal, esta persona, es marcada como alguien que representaba este concepto de luz, buscaba juventud en cada viaje, buscaba lo bueno en cada parte de su vida. se perdió en el loop de la luz de esa calle, se dejó atrapar por una luz o una verdad que quizás no era real, o la luz final. Como dice, en algo hay siempre que creer cuando estamos por caer.

"Contando ovejas" es el cierre de esta etapa reflexiva en la luz y pasamos a Convoy Jarana donde tenemos el extremo opuesto a la oscuridad. Hay energía, hay felicidad, amor, placer (más allá de lo random del video). Este extremo busca mostrarnos la emoción que nos faltaba: la felicidad, la alegría, la excitación.

Es una canción hecha para divertirnos, para entretenernos y dejarnos en la puertas de Lleno de Zafiros. El momento en el que Wos se comprende. El momento anterior a la luz real. 

 

Su personaje hace una pausa, mira para atrás, y lo entiende. Entiende la oscuridad y la luz, entiende la felicidad y la tristeza, y el dolor y el place.r

No perder la rabia pa gritar, ni la calma pa habitar, supone la aceptación de esta dualidad.

Es entender que no debemos perder la rabia porque la necesitamos para hacernos oir y plantarnos ante las injusticias. Pero tampoco perder la calma, para poder estar en paz y no vivir en el odio.

En esta canción menciona al espectro de las emociones: la rabia para gritar, la calma para habitar, la furia que salga. Entender que el llanto está bien porque sabio es aquel que llora.

Pero así como menciona este entendimiento de sus emociones, también confiesa que su corazón aún no está listo para muchas cosas y que eso está bien. Porque es un proceso, es una evolución.

El Zafiro, como el título indica, esta asociado a un despertar espiritual de la conciencia. Wos se encuentra en un Paraje lleno de zafiros, es decir, un momento en su viaje donde está conectado con él, con una evolución y despertar espiritual.

Con la aceptación del yo y del ser.

Lo sagrado camina por los techo' menos iluminao's en referencia a como lo verdaderamente real, lo más importante, está en las zonas más oscuras. Nuestro ser no es el de la luz solamente, sino también el de la oscuridad y todo lo que representa.

Y esto nos lleva al final, a la luz, a la elevación, al final del viaje. Esto nos lleva a Mugre.

 

Esta canción  y el videoclip son una obra maestra visual de simbolismos.  El mismo da comienzo con Wos tirado en el suelo de un bosque en blanco y negro, la tierra es el principal factor, la mugre, al suciedad.

Se despierta confundido mientras ahonda en las profundidades de mismo y recuerda qué es lo que le sucedió y mientras esto sucede, en una especie de viaje de revelación espiritual, canta sobre la importancia de no retener el dolor, de como es necesario aceptar y soltar. Si no soltas la mierda, vas a terminar colérico, enfermo, podrido. Corriendo de tu culpa, corriendo de tus demonios.

Y eso nos lleva al estribillo:

No dejes que sea costumbre, el vivir entre la mugre. Ese brillo que te cubre, una capa que se pudre.

En este punto, Wos se encuentra con un hombre de las cavernas, una versión deforme, aterradora, que lo fuerza a la luz. Este hombre lo refleja, lo imita. Porque este hombre es su oscuridad. Este hombre es su mugre. Este es el hombre que quedó atrás del proceso de evolución.

Wos se enfrenta al ego y lo elimina, mira a la luz y evoluciona. Mugre te fuerza a verte a vos mismo, y desprenderte del concepto del yo, deprenderte del ego y de las suposiciones, de las percepciones ajenas. Te obliga a aceptar la oscuridad, pero a no recurrir a ella por miedo a la luz.

Mugre es la elevación final, la conclusión del viaje espiritual de Wos que comienza en la oscuridad. Es la aceptación de la luz y su dualidad. Porque es en la oscuridad, donde la luz brilla más. Y es en ambos, que nos encontramos a nosotros mismos.

"Las etapas del duelo en el álbum 'Sour' de Olivia Rodriguez" | Segunda parte

 

Hoy les traigo la segunda parte del análisis conceptual del álbum de Olivia Rodriguez, "Sour". Recuerden que si aún no han pasado por su primera parte pueden hacerlo por aquí para no perderse las dos primeras fases.

En esta ocasión trabajaremos con las tres fases finales del duelo, más las dos canciones extras del álbum que no pueden quedarse sin su propio análisis.

TERCERA FASE:  NEGOCIACIÓN

Cuando hablamos de la negociación, no nos referimos a que se pone Olivia a hablar con el chico e intentar llegar a un acuerdo. No, las etapas del duelo son cosas personales y profundas. En la negociación se intenta negociar con uno mismo o el entorno, entendiendo la perdida y buscar una solución para el por qué de la misma. Una especie de explicación no explicada.

Hay dos temas que siento que quedan muy bien con esta etapa, los cuales son: 1 step forward, 3 steps back y Enough for you

Como mencionaba, este tipo de canciones tratan sobre la introspectiva tanto de la relación, como de uno mismo. Y es en estos dos temas que Olivia lo hace a la perfección, en el primero de ellos se centra en la relación de ella y el chico.

 

Destaca como todo parece ser “un paso adelante y tres atrás”, ya que por un lado ella era el amor de su vida, hasta que lo hacía enojar. Es esta relación conflictiva de la que no teníamos pista (ya que todas las demás canciones solo se centraban en las partes buenas y que extrañaba), y finalmente la que Olivia analiza en esta tercera fase, donde intenta comprender esa conclusión.

“Do you love me, want me, hate me, boy? I don’t understand” es esta duda constante la que la enloquece y la jode en su cabeza. Porque nunca ha dudado tanto de ella misma como en esa relación, no entiende si es bonita o divertida, y odia haberle dado ese poder. Porque con él es todo felicidad hasta que él lo decide, y se centra en ese poder que él tiene.

 

Y esto se retoma en Enough for you, como ella misma quedó invalidada para “servirle” a este, para convertirse en un trofeo. Para perder su individualidad y ser por él. En esta canción habla sobre cómo se esforzó tanto por ser el ideal de su pareja, que se perdió a si misma.

En este tema menciona como utilizaba más maquillaje porque pensaba que así le gustaba  más, y como intentaba parecerse  a las otras chicas “prom queen” que él solía amar (en referencia a sus ex). Como intentó duramente ser todo lo que a él le gustaba, pero que al final el simplemente decía que no era un chico que hiciera cumplidos.

Como puso tanto de ella en esa relación, en saber lo que le gustaba, en hacer lo que le gustaba. Pero sin importar todo lo que ella intento ser y pretender, él la dejó por alguien más. Es importante destacar esta frase: “I knew from the star this is exactly how you’d leave”, es decir “supe desde el comienzo que esta sería la forma exacta en la que te irías”. Como mencionaba, en la negociación se analizan los factores que llevaron a la ruptura, y es una de las cosas que Olivia hace en estas dos canciones.

Ya no ve con ojos idealizados esa relación, sino que por fin puede ver y entender sus partes oscuras.

Es interesante como esta canción se entremezcla en parte con la fase 4, lo que la lleva a estar parte en esa fase. La depresión. Ya que aquí también tenemos el quiebre del personaje, ella ya no quiere volver con él, ya no quiere su simpatía, lo único que quiere es volver a ser ella misma.

Porque él no solo rompió su corazón, sino algo más, mucho más profundo: su confianza, su amor propio y autoestima, su seguridad. La hizo sentir como si no fuera suficiente para él, como si después de todo, ella no hubiera significado nada. Y ese es el peor sentimiento que uno puede sentir.

CUARTA FASE: DEPRESIÓN

Como mencionaba, parte de Enough for you se encuentra dentro de esta fase, ya que supone el dolor emocional en la travesía de la sanación.

Otra canción que podemos retratar aquí dentro es Jealousy, Jealousy de una manera más superficial. Como Olivia canta en la canción que está cansada de ser ella y que quiere ser cualquier otra persona, porque a pesar de que sabe que la belleza de otras chicas no la hace fea, no puede dejar de querer lo que los demás tienen. Y como las redes sociales la intoxicaron hasta el punto de perderse a ella misma.

 

Pero el tema que más englobaría esta etapa sería sin duda Happier, la cual habla sobre cómo está bien sentir tristeza cuando alguien a quien amabas encuentra a alguien más. Y como quisieras que no estuviera tan feliz, a pesar de que no le deseas el mal.

Es así como comienza mencionando que terminaron hace un mes, que tienen los mismos amigos y que sabe que él encontró a alguien más, que saca lo mejor de él. Esta canción entra en paralelismo con Deja Vu u  otros temas donde hay un mayor resentimiento.

Ahora vemos una aceptación de esa relación, pero una enorme tristeza y depresión por ella. Porque ahora otra chica saca lo mejor de él, alguien dulce y amable, pero ¿eso significa que se olvidó de ella?

En una parte de la canción ella canta “And I thoght my heart was detached from all the sunlight of our past” es decir “Pensé que mi corazón había dejado atrás toda la luz del sol de nuestro pasado”. Esto nos lleva a esta transición de fases, les mencionaba que tanto en Enough for you y 1 step foward, 3 step back Olivia veía la relación que tuvieron con otros ojos y terminaba entendiendo el por qué acabo, y cree poder seguir adelante ahora que lo ha “entendido”, que ha comprendido las razones. Pero cuando se entiende la razón llega la tristeza, por eso el “creía que mi corazón lo había dejado atrás”.

Por eso  ella espera que él sea feliz, pero nunca sea tan feliz como lo fue con ella. Sabe que eso es egoista, sabe que está mal, pero es lo único que no deja que la tristeza lo inunde todo. El saber que ella fue especial, diferente, que aún está en su corazón y su recuerdo.

“So find someone great but don’t find no one better” (espero que encuentres a alguien genial, pero no a alguien mejor) una linea que engloba esta idea de que quiere que sea feliz, pero no tan feliz como lo era con ella.

ETAPA QUINTA Y FINAL: ACEPTACIÓN

 

Ya pasamos por la negación, la ira, la negociación y la depresión, y lo último que queda es la aceptación. Comprender lo perdido, entenderlo, dejar ir la rabia, sumirnos en la tristeza y salir de allí diferentes, no necesariamente mejor, tampoco peor. Solo diferentes. Porque cada relación nos cambia, se lleva parte ded nosotros, y nos deja otras. Y es aquí donde entra la despedida de Olivia: Favorite Crime.

 

Olivia entiende como es parte responsable de la ruptura, pero es en su entendimiento que logra aceptar lo sucedido y seguir adelante. Atesorando lo bueno, sin olvidar lo malo.

“Know that I loved you so bad. I let you treat me like that” (Sabes que te amaba como nadie, que te dejé tratarme así). Lo amaba profundamente, tanto que lo dejó tratarla como nos insinuaba en 1 step foward, 3 steps back.  Habla de cómo fue su complice en todo lo que sucedió, como solo su corazón se rompió, pero fueron 4 manos las que se llenaron de sangre, es decir, ella también fue responsable.

The things I did, just so I could call you mine. No hay recriminación o culpa, o resentimiento. Hay un entendimiento de lo que hizo y de lo que no volvería hacer. Una introspectiva del pasado. Y como a pesar de todo, lo haría de nuevo, y pasaría por todo eso de nuevo, porque, nuevamente, las partes malas o buenas la convirtieron en lo que es.

La capacidad de entender eso, de entender que cada ruptura nos deja algo y se lleva otras cosas, es lo que finalmente entiende Olivia con este tema. Es la madurez final y la conclusión de una relación.

Esta canción tiene una entonación melancolica, como una anécdota contada tiempo después. Cuando el dolor ya se ha ido y se recuerda las cosas con cierto cariño y dulzura, incluso las malas. Porque se entiende que no siempre fueron malas.

Favorite Crime supone la aceptación final de Olivia porque habla de eso: de seguir adelante y de conservar los recuerdos. De entender que cada experiencia nos moldea y nos hace crecer. Y nos convierte en lo que somos ahora.

MENCIONES ESPECIALES

Les había dicho al comienzo que habían dos temas que se salían de estas fases (aunque si se pueden colocar dentro de algunas), y son “Brutal” y “Hope ur okay”.

En Brutal, Olivia se centra en sus propias inseguridades y todas las presiones que los adolescentes tienen mientras van creciendo. Por parte de la sociedad, los padres y los propios amigos. Las expectativas que se crean a su alrededor y como eso la lleva al límite.

 

Hay frases que resuenan bastante como “Cause who am I, if not exploited”, destacando esta necesidad de siempre destacar o ser alguien, sino no eres nadie. En referencia a como esta juventud actual necesita ser “alguien” para ser alguien.

Como esta cansada de sus diecisiete, y donde se supone que está su supuesto “sueño adolescente” que todos prometen que tendrá. Como le dicen que debe disfrutar su adolescencia pero con tanta presión eso es imposible, porque se espera tanto de los jovenes, y es irónico, porque no se los escucha. Se los presiona hasta que explotan, y luego se los culpa por ello.

La frase que define la canción es “Es brutal aquí afuera”, en referencia al mundo real, el mundo de los adolescentes intentando sobrevivir con depresión, y ansiedad. Y teniendo pocos amigos porque hacer amigos en quien confiar es un lío, y como esa ansiedad genera aun más dificultades para entablar relaciones sanas.

Y como los padres que se supone que deben guiarlos y cuidarlos, suelen ser los primeros en causarles problemas y traumas, y todo eso se une y gira alrededor hasta volverlos locos.

Una de las frases que más me gusta y siento que se aplica a muchos es la de “Cause I love people I dont like” (amo a gente que no me gusta), quiero destacarla porque es muy cierta. Hay veces en las que amas a determinadas personas (por ejemplo, a tus padres) pero no te gusta como son como personas, por x o cual razón, o mismo a amigos o hermanos.

La segunda canción que quiero hacer una mención, es mi favorita del álbum y es Hope ur okay (espero que estés bien). Este tema habla sobre el pasado de Olivia y determinadas personas que conoció, y que ya no tiene contacto, y que a pesar de haber tenido vidas dificiles, pudieron crecer en el odio y convertirlo en amor. Y como espera que estén bien y sean felices.

 

Comienza contandonos sobre un chico que conoció cuando era pequeña, que tocaba el tambor y cuyos padres se preocupaban más por la biblia que por su bienestar. Que él usaba mangas largas por culpa de su padre (probablemente aludiendo a que se autoflagelaba debido a la inestabilidad de su familia) y de alguna forma, ella y él perdieron el contacto.

Narra como espera que haya tomado todo eso malo y lo haya convertido en algo bueno, y aunque no estén en contacto, esperaba que estuviera bien.

Luego pasa a otra chica a quien conoció  en secundaria, quien creció sola y crió a sus hermanos por su propia cuenta. Como sus padres odiaba a quien ella amaba (dandonos a entender que ella era lesbiana), y como esta chica no podía esperar a ir a la universidad porque estaba cansada debido a que vino a un mundo donde la familia era solo sangre (es decir, faltaba amor, cariño, los lazos que los unían eran meramente uniones de ADN).

La mejor parte de la canción es lo que une a ambos personajes que Olivia conoció, como tuvieron el coraje de desaprender el odio con el que crecieron, y de poder crecer en el amor, y como a pesar de no estar en contacto, esperaba que estuvieran bien.

 

Y este fue todo el análisis del álbum de Olivia Rodriguez. Dejenme en los comentarios, ¿qué canción les ha gustado más?

 

"Las etapas del duelo en el álbum 'Sour' de Olivia Rodriguez" | Primera parte

 

No voy a mentirles, estuve esperando por demasiado tiempo poder hacerles un análisis del trabajo de esta artista que ha logrado sorprender durante este último año con sencillos espectaculares como Drive license o Deja vú, dejando claramente todo el drama de lado que supusieron los mismos, y el hate que terceros recibieron, hay muchas cosas de las que tenemos que hablar sobre quien sería, la heredera de Taylor Swift.

Sour se consagra como el primer  álbum de esta artista que tiene solo 17 años, y que ya ha trabajado en la serie High School Musical: the musical donde encarna a Nini, una chica que consigue el papel de Gabriella en su escuela, al tiempo que intenta lidiar con Ricky, su ex quien está dispuesto a todo para reconquistar su corazón.

Sour se puede traducir como “amargo” o “dulce” y eso es de lo que se trata este compliado de canciones: canciones tristes, sobre desamor, sobre rabia, sobre enojo. Buscando englobar todas esas emociones que se sienten cuando se tienen 17 y muchas veces se les enseña a avergonzarse de tener. Como los celos, la rabia, el enojo, el desamor, el deseo de vengarse contra esa persona que les rompió el corazón, etc.

 La portada misma del álbum que presenta a una Olivia cruzada de brazos y echando la lengua, mientras dentro de la misma lleva escrita la palabra “Sour” (en referencia a como saldrá de su boca solo ese tipo de “sabor”), enmarcado en un cuadro lila. Por un lado tenemos este aspecto bien teen de los colores, y esta actitud rebelde y desafiante, pero enmarcada nuevamente dentro de esto: la adolescencia. El concepto principal del álbum, sus peores aspectos, o los más liosos.

Creo que es interesante que se tomara este tipo de álbum así, ya que es muy usual que se desvalore la forme de sentir de los adolescentes debido a que son, adolescentes, valga la redunancia. Y se suele desacreditar mucho lo que sienten al creer que no es “tan grave”, o como siempre dicen “los adolescentes hacen un mundo de una gota de agua”. Y quizás si, quizás es una etapa donde todo se siente más intensamente, pero también poder retratar eso en el arte de una forma más honesta y no tan “viven drogándose y tomando alcohol o teniendo sexo” (algo que alguien adulto suele utilizar para retratar a la generación más joven).

Ahora sí. Pasemos con sus canciones.

El álbum se encuentra compuesto por un total de once canciones, si entramos en un análisis  mucho más psicológico del mismo y basándonos en el trabajo de Kübler-Ross muchas de estas canciones que tratan específicamente del desamor y la ruptura, atienden a lo que se conoce como “las fases del duelo”. Las cuales serían en efecto cinco: negación, enfado, negociación, depresión y finalmente, la aceptación.

Mientras escuchaba las canciones, llegue a una especie de esquematización de cómo se encontrarían las mismas dentro del panorama de las fases y me di cuenta de que hay dos temas en particular que se alejan de lo que es la temática amor-ruptura y se centran en otros aspectos  de la adolescencia, como es: Brutal y Hope ur okay (y no voy a negarlo, son mis dos canciones favoritas del álbum, aunque todas son geniales, pero el ritmo  de ambas me pudo).

Primero nos centraremos en las fases y luego quiero hablar específicamente de estas dos canciones, porque siento que tienen muchos mensajes que aportar y que si o si, tienen que tener un destacado en esta entrada.

FASE 1: NEGACIÓN

Cuando se pierde a alguien, cuando un amigo se va de repente, cuando nos rompen el corazón, siempre existe ese primer momento donde es difícil aceptar la idea de que todo se ha acabado. De que esa persona se ha ido, de que nos ha dejado. La negación  no es únicamente decir: no, este chico no ha roto conmigo. Sino es también aferrarse dolorosamente a los recuerdos compartidos siendo incapaz de dejar ir ese quizás.

En esta fase entran dos canciones principalmente: Drive License y Traitor. Ambas canciones son musicalmente diferentes la una de la otra, pero ambas cargan el dolor fresco de una herida abierta que se visualiza en el video del primero y en la lírica del segundo.

Para entender mejor esta historia que nos narra el personaje de Olivia, debemos ir a la base: ¿qué sucedió? Aquí no voy a entrar en el drama Joshua-Sabrina-Olivia porque todos estamos hartos de eso, sino que trabajaremos con el personaje ficticio de este chico y esta otra chica que le rompieron el corazón.

Olivia estaba profundamente enamorada de este chico, quien la acaba dejando por alguien más “esa chica rubia” como la describe en Drive License.

 

Empecemos entonces por este tema: Licencia de conducir, uno de los pocos temas con video, que muestran a Olivia conduciendo un auto y caminando por la calle de un vecindario.

En este tema, Olivia se centra en el corazón roto que posee producto de una ruptura y como acaba de sacarse la licencia de conducir, y se da cuenta de que no podrá disfrutar de eso con la persona que quería, porque esta se ha ido con alguien más.

Pero que a pesar de todo eso, ella sigue pasando por su vecindario.

Es así que la canción empieza: “I got my drive license last week, Just like we always talked about” (conseguí mi licencia de conducir la semana pasada, como siempre hablamos). De los planes que tenían de que ella pudiera conducir hasta la casa de este, pero que ahora se encuentra llorando porque ha pasado por los suburbios (donde este vive) pero él no está con ella.

“And you’re probably with that blonde Girl. Who always made me doubt” (Y probablemente estés con esa chica rubia. Quien siempre me hizo dudar). Aquí es donde aparece el tercer personaje de la historia, que se convierte en un antagonista no directo (ya que no intenta demonizarla), pero si de lo que fue “la historia de amor” entre estos dos personajes. Es esta chica rubia quien tiene el corazón del chico que quería, y ella siempre tuvo sus dudas de esta debido a que “she’s everything I’m insecure about” (ella es todo lo que soy insegura).

La canción se centra mucho en la incapacidad del personaje de dejar ir este amor que siente, como no logra comprender que se fuera, cuando parecía también sentir lo mismo por ella. Aquí tenemos muy fuertemente marcada la negación del personaje.

 

Y esta canción se une especialmente con “Traitor” (traidor). Una canción que retoma esta idea del chico-la chica rubia-Olivia. Y se centra específicamente en este temor de ella y su imposibilidad de creer lo rápido que pudo cambiarla por alguien más. Es esto lo que la hace dudar de si alguna vez sintió algo por ella, y si la relación con esta tercera persona no comenzó inclusive cuando estaban juntos.

La canción comienza con esta idea de que ella sabía que  él hablaba con la otra chica (o quizás más, como da a entender), pero nunca dijo nada porque temía perderlo (I kept quiiet so I could keep you)

El dolor del personaje de Olivia no es tanto porque encontrara a alguien más, sino por lo rápido que la cambió por esa otra persona. Ni siquiera le tomó dos semanas (“It took you two weeks, to go off and date her), y como dice, a pesar de que salir con alguien más no lo hace un engaño, si lo siente como una traición cuando está tan fresca la herida.

Esto la hace plantearse la pregunta: ¿alguna vez la quiso? Porque si sus sentimientos hubieran sido honestos, entonces no se hubiera enamorado de alguien más tan rápido. Por lo que para ella, los sentimientos hacia esta otra chica eran los reales, y sus sentimientos por Olivia una mentira, una mentira que la terminó lastimando y de ahí su sentimiento de traición. Por eso, finalmente dice: “I wish that you had thought this through. Before I went and fell in love with you” es decir, que desearía que él hubiera pensado bien qué sentimientos y por quién los tenía, antes de jugar con ella y permitirle enamorarse de él.

Segunda Fase: La ira

 

Una vez que el dolor se va, llega la segunda etapa: la ira. Donde existe un estado de furia reprimida, descontento de no poder evitar lo que sucedió, y una necesidad de buscar un culpable o un objeto para enfocar esa ira que tiene.

Hay dos canciones que siento que engloban bien esta ira, y no necesariamente las seleccioné por su ritmo musical, aunque una de ellas si entona con esta furia. En cierta forma ambas encaran a las dos partes por fuera de Olivia que tienen que ver con su corazón roto: el chico y la otra chica.

Good 4 u se centra mucho más en su ira hacia este chico que le rompió el corazón y en Deja vú se centra un poco más en la chica (más que nada en el video). Pero retoma esta idea de cómo por un lado todo lo de esta nueva relación es reciclado y ella lo odia por eso, y por otro lado odia que esté bien en su nueva relación, aunque tampoco le desea mal.  

 

Comencemos por God4U, una canción con un ritmo mucho más fuerte que resalta esta idea de furia, enojo e ira del personaje tras la ruptura. Comencemos hablando del video, que es una obra maestra, comenzando con sus referencias al cine popular, como el vestuario de Olivia encarnando a una cheerleader (su vestimenta es la misma que la de Lana Thomas en el Diario de una Princesa, la cual fue el símbolo de las mean girls desde Regina George). Hasta sus referencias en escenas finales a Jennifer Body’s (en el lago)  y Michael Jackson (con los ojos brillosos de Thriller).

La primera estrofa de esta canción es el mejor ejemplo del cambio de una fase (negación) a la otra (ira). Mientras que en canciones como Traitor mencionaba con negación esta idea de cómo pudo cambiarla en dos semanas por otra chica, aquí canta: “Well good for you, I guess you moved on really easily. You found a new Girl and it only took a couple weeks” (bueno, bien por ti, supongo que seguiste adelante muy rápido. Encontraste a otra chica y solo te tomó un par de semanas). Hay ironía en su voz, hay sarcasmo y enojo, hay un cambio por completo de la tristeza desgarradora de Traitor.

Ya no hay duda, ya está la ruptura, ahora es su turno de sentir todo lo feo para poder sanar.

Ahora, el estribillo de la canción resume a la perfección todo el sentimiento de ira del personaje. Del por qué es ella solo la dolida, de cómo “lloró en el baño” al inicio, mientras él no estaba nada afectado como ella. “Good for you” pasa no solo a ser un “bien por ti” en el mejor de los sentidos, sino en un sentido más irónico y doloroso.

“Well, screw that and screw you. You Will never have to hurt the way you know that I do” recalca todo lo anteriormente dicho. EL personaje pierde los estribos, su furia ante la falta de dolor de la otra parte por perderla la supera. ¿Cómo pudo decirle que la amaba y seguir adelante? ¿Cómo puede estar bien sin ella?

Aquí entra también en juego este sentimiento tan humano como el orgullo, no solo le duele haberlo perdido, le duele que a él no le afectase perderla: “your apathy’s like a wound in salt”.

Creo que esa es la mejor manera de reflejar esta canción, este sentimiento que Olivia expresa. En anteriores canciones nos dimos cuenta que más que el dolor de la perdida, está este dolor de cómo este personaje (su pareja) no solo la dejó, sino por alguien más y pretendió que lo que ellos tuvieron nunca existió. Esto es lo que le causa más daño.

Y vuelve a reclamárselo en Deja vú.

 

En esta otra canción, vemos a Olivia observar a una chica y copiarle todo lo que hace, dándose cuenta de que es un ciclo eterno entre una y otra. Es decir, mientras ella la observa, la otra chica también. Son replicas en una historia de amor dirigida por el chico.

Un dejavu es una sensación que se siente como ya vivida, que estamos tan seguros de que ya la vivimos que es como un flashback de lo sucedido. Esta experiencia es lo que retrata Olivia en el tema, como esta nueva chica y él están reviviendo cosas que Olivia y este chico ya pasaron.

Como los viajes a Malibu en coche, los helados de frambuesa con una cuchara para dos. Olivia se burla de cómo esta chica cree que él está siendo original, pero le pregunta si sabe que todo lo que pasaron ya lo hizo con ella.

“So when you gonna tell her. That we did that too? She think it’s special. But it’s all re-used” (Así que cuando le diras que eso ya lo hicimos también? Ella cree que es especial. Pero todo está reusado).

Finalmente le pregunta si siente Deja vú cuando está con la otra chica, y esta frase en particular me hace pensar en el doble sentido que enmascara. Por un lado el literal, si siente un dejavu al repetir las mismas experiencias, y por el otro uno más doloroso, la posibilidad de que la recuerde y lo que tuvieron cuando está con la otra chica, y si una parte de él la extraña por eso.

La ira no es tan visible en esta canción, pero no tiene que ser necesariamente un estallido, sino también un reclamo, una mordacidad que podemos ver en Deja vu. Si, es una canción triste, pero tiene cierto aire burlesco hacia esta nueva relación, un “lo que ustedes tienen yo ya lo tuve, nada es nuevo, no es especial o diferente”. El problema comienza cuando eso hace que tu propia relación tampoco fuera especial o diferente, ya que probablemente fue reusado en el pasado.

 

Y esta es la primera parte del análisis, tuve que dividirlo en dos así no quedaba muy extenso. Pero su segunda parte la estaré subiendo el día de mañana.

Dejenme en los comentarios ¿cuál es su canción favorita del álbum?